14, 15, 16 y 17 de junio de 2017 / Edificio Sabatini
La desmesura del cuerpo parece inasumible para las prácticas archivísticas. Podemos escribir historias de la danza, de las artes en vivo y del teatro en cuanto actos efímeros, del mismo modo que podemos hacerlo sobre el acontecer social y político, y sobre la vida en general. Pero no podemos archivar la experiencia porque no hay modo de sustraerla al tiempo. ¿Cabría imaginar un archivo vivo, donde los documentos del cuerpo son preservados en vida, en cambio constante, afectados por su ineludible naturaleza efímera?
La contradicción entre la experiencia del cuerpo vivo y la sustracción al tiempo que el archivo pretende parecen actualizar una vieja dicotomía que desde hace años llevó a los artistas a considerar el museo como lugar de muerte, en contraste con la vitalidad y la urgencia de la práctica artística. Ahora que las artes en vivo reclaman su presencia en los museos, la noción de “archivo vivo” podría contribuir a una nueva reflexión crítica sobre los modos de conservación y exhibición, así como sobre la tensión entre conservación y producción que concierne a las instituciones culturales.
¿Qué otras experiencias y conceptos pueden ser útiles para pensar la relación entre cuerpo, archivo y memoria? Durante los cuatro días del seminario, se presentarán y discutirán propuestas cinematográficas y paracinemáticas de recuperación de la memoria frente al abandono impuesto desde determinadas políticas, o frente al olvido estructural promovido por las formas tradicionales de archivo; se expondrán reflexiones y experiencias en torno al dilema entre conservación y uso, archivo y transmisión; se compartirán proyectos en proceso que exploran procedimientos de reescritura y apropiación de piezas escénicas; y se propondrán prácticas archivísticas de lo inarchivable, como los sueños, la atención o el tiempo atmosférico.
PROPUESTAS
Podría quien te recuerda… Cuerpo, archivo y memoria
Presentación del seminario a cargo de los investigadores de ARTEA Isabel de Naverán, Victoria Pérez Royo y José A. Sánchez y conversación con la coreógrafa María Muñoz.
Light Dark Light Heavy Archive
Conferencia performativa de Andrea Bozic y Julia Willms.
¿Qué se almacena en un archivo? ¿Es una biblioteca infinita de información almacenada en libros, objetos u obras de arte? ¿O son las experiencias codificadas, el conocimiento, las percepciones, las sensaciones y su inserción en el contexto que las originó?. El conocimiento almacenado en el archivo sólo puede ser transferido una vez que se materializa y se sitúa en el aquí y ahora. ¿Podemos mirar las obras de arte no como algo para ser archivado sino como archivos del conocimiento en sí mismos que necesitan ser desempaquetados para ser mantenidos vivos? Light Dark Light Heavy Archive es una reflexión performativa sobre archivar la atención, el clima y los sueños.
Llamando a la puerta de la memoria con una videocámara
Proyección del documental At Km 47 de Zhang Mengqi. Zhang Mengqi y Wu Wenguang.
Wu Wenguang y Zhang Mengqi forman parte del proyecto Folk Memory Project asociado desde 2010 al CCD Workstation, un espacio artístico independiente en Pekín. Este proyecto aborda distintas posibilidades de archivar los recuerdos para que puedan seguir rememorándose generación tras generación. Como parte de esta investigación los artistas iniciaron en 2010 un proyecto colectivo junto a diez documentalistas. La idea consistía en vovler a las aldeas familiares donde habían nacido o vivían sus abuelos, con una videocama y recopilar recuerdos a partir de diferentes entrevistas.
Pasiones Suspendidas
Conferencia de Joe Kelleher.
En 2015 Joe Kelleher publicó The Illuminated Theatre: Studies on the Suffering of Images en el que abordaba un análisis sobre la teatralidad y el espectador a principios del siglo XXI. ¿Por qué las imágenes se quedan con nosotros, una vez finalizada la obra? ¿Cómo relacionamos lo que experimentoamos en el teatro con lo que compartimos unos con otros? En Pasiones suspendidas Joe Kelleher recupera el análisis de esos procesos de concepción, imaginación, proyección y resituación de la puesta en escena, constituyendo una imagen en la que el propio ser humano queda en suspensión, como una especie de elipsis figurativa en el centro del escenario.
Levantémonos por aquellos perdonados por la memoria del cuerpo
Conferencia performativa de Zhang Mengqi y Wu Wenguang.
Como continuación del trabajo realizado en Folk Memory Project, esta conferencia performativa analiza el actual contexto social de China, donde la historia tiende a ocultarse. En palabras del propio Wu Wenguang: “Es difícil para China avanzar sin reconciliarse con el pasado. En la actualidad, la cultura y los valores tradicionales se han tirado por la ventana, pues el país está sumido en contradicciones profundas. Desde esta perspectiva, nuestro objetivo es el de protestar contra la amnesia social, devolviéndoles la memoria“.
Envoltura
Iñaki Azpillaga, Bobote, Pedro G. Romero, Leonor Leal e Idoia Zabaleta
Envoltura ofrece un recorrido por cuatro piezas breves, creadas por distintos artistas, inspiradas en la idea de síncope como movimiento corporal e histórico.
Se parte de las circunstancias que rodearon el fallecimiento de Antonia Mercé y Luque, La Argentina (1890-1936), bailarina de danza popular española y flamenco, y primera artista condecorada por la Segunda República Española. Su convulsión física, sufrida abruptamente el 18 de julio de 1936, se entiende aquí en correlato al sentimiento colectivo del momento, como reflejo de un quiebro en la línea de la historia. Este quiebro se repite en distintos momentos y de distintas maneras, a través de artistas como el japonés Kazuo Ohno, quien recupera la figura de La Argentina cincuenta años después de haberla visto bailar.
El síncope corporal e histórico recorre todas las escenas desde distintos ángulos, hasta relacionarse con el concepto de síncope acuñado en el s. XIV por el cirujano Henry de Mondeville en referencia al mecanismo de la compasión dentro del ser humano, en concreto a la manera en la que el cuerpo distribuye el calor y el fluido en los momentos de crisis.
En su conocido libro Carne y piedra, 2015, (edición original 1994) Richard Sennet recoge esta particular manera de entender el concepto propuesto por De Mondeville, que podríamos interpretar como el de un gesto rítmico a la vez acompasado y compasivo, en el que lo que sucede en el interior de un cuerpo puede sentirse también entre los cuerpos. Así, la fundación de una idea de comunidad podía explicarse “por la respuesta física de las personas a los sufrimientos de los demás” .
La aparente imposibilidad de un acercamiento directo a la experiencia de otro cuerpo o de otro tiempo, y la necesidad o deseo de hacerlo por medio de resonancias, atraviesa el proceso de creación de Envoltura. Remite de manera tangencial al concepto que Fredric Jameson desarrolla en su Teoría de la posmodernidad (1991/1998) cuando habla de cómo la envoltura mantiene una característica fundamental que hace que “lo que está envuelto también pueda utilizarse como envoltorio y, a su vez, este puede ser envuelto” por aquella presencia que trata de albergar.
Kratimosha
Performance de Amalia Fernández
Katrimosha es una partitura músico-visual que se despliega en varias direcciones y se recoge sobre sí misma.
Katrimosha… es un grafiti escrito en el casco de un trasatlántico
significa buena suerte en chino
es el título de una película muda
es un caballo de carreras
es el nombre artístico de una striper
es un proyecto de tatuaje en el hombro, que nunca llegó a realizarse
es la contraseña del correo electrónico de mi marido
es frívola porque es jugar por jugar, y es profunda por la misma razón
es hacer y rehacer la acción, escribir y rescribir.
Es una obra de teatro con una cantante en bragas, una voz en off, un retrato de hogar y familia imaginario, un difunto, un montón de ruiditos copiados de la realidad, una serie de parejas a punto de enamorarse o a punto de romper, y un final que se parece al principio, pero no en la forma, sino en la mofra, en la famor, en la romaf y en la ofram.
Takishmora Versiones de Kratimosha
Muestra de los procesos de reinterpretación de Kratimosha. Amalia Fernández con Cécile Brousse, Nazario Díaz, María de Dueñas, Ana Fines, Inmaculada Marín, Cecilia Molano, Julián Pacomio y Laura Valle Lisboa
Kratimosha (2009 y 2017) es una pieza de Amalia Fernández basada en el reciclaje de Matrioshka (2005), un solo autobiográfico de esta artista. Por su parte, Takishmora (2017) es una colección de ejercicios de apropiación de Kratimosha en la que ha trabajado el grupo de artistas participantes en el programa de investigación Cuerpo, archivo y memoria del colectivo Artea, durante 2017. Las versiones son diversas: unas parten del formato de Kratimosha, otras son el resultado de aplicar los procedimientos de trabajo de la pieza, mientras que otras proponen llevarse esos materiales a los mundos y poéticas personales.
Muestra de los procesos de investigación realizados en el marco del programa Cuerpo, archivo y memoria
- La contrarrevolución de los caballos, Marta Echaves
- Líneas, Cecilia Molano
- The Asleep Image1_El mundo bajo el mundo, Julián Pacomio
Coloquio sobre Kratimosha y Takishmora
Amalia Fernández y el grupo de artistas participantes en Takishmora
Radio Frisson
Experimento de radio documental activado por un grupo de artistas investigadores, estudiantes del Máster de Práctica Escénica y Cultura Visual
Coordinan: Gabriel Álvarez, Cécile Brousse y Natalia Ramírez Püschel
Registros en Tea-tron:
Blog colectivo con la colaboración de: Leyla Dunia, Nacho de Antonio, Anto Rodríguez, Artea, Programa Sin Créditos, Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual y Radio Frisson.
